Las 20 mejores películas de 2020

Dos terceras partes de películas de Bond y una (difícil) de ciencia ficción abrumadora. Tenet es una superproducción con grandes ambiciones: no se trata solo de salvar al cine, sino que quiere reinventar la manera de procesar tu gramática visual. 

Las películas de Christopher Nolan generalmente vienen con un borde experimental, aunque lubricado por presupuestos de siete cifras, y Tenet se siente como su esfuerzo más elaborado hasta ahora. La información visual llega en múltiples direcciones, en secuencias de acción que ofrecen un pequeño respiro de las ideas que doblegan el cerebro, y la acompañada la estridente musicalización de Hans Zimmer y Ludwig Göransson —perfecta para Imax. 

Este noir hitchcockiano infinitamente entretenido no es tan triste como su protagonista, el corrupto policía de Bucarest Cristi (Vlad Ivanov). De mediana edad, a la deriva profesionalmente y hasta el cuello de despiadados gánsteres europeos, es el pilar de la tranquila trama y su variedad de maquinaciones de puñaladas por la espalda. Su madre, decepcionada, piensa que está arruinando su vida y tiene más razón de lo que él cree.

El mordaz sesgo del director rumano Corneliu Porumboiu sobre policías y delincuentes se mostró por primera vez en Police, Adjective de 2009. Aquí, deja la introspección y amplifica el entretenimiento, inventando algo genuinamente fresco con los ingredientes familiares del thriller criminal.

Quienes crecimos en los noventa entendemos a la perfección —e incluso escuchamos el tonito— la frase “Mucho, mucho amor”, palabras con las que cerraba el astrólogo más importante del mundo, Walter Mercado, sus participaciones en el programa Primer Impacto. Ahora toca su debut en el cine.

Y es que su manera positiva de narrar lo que nos tenían preparados los astros, aunado a su estrafalaria y opulenta forma de vestir, hicieron que el actor, bailarín y escritor se ganara el cariño de miles de televidentes en todo el mundo; desde Canadá hasta España, Walter Mercado es uno de los íconos pop más emblemáticos de esa década.

Casi nada salió del Escuadrón suicida de 2016, pero uno de sus pocos puntos brillantes fue la anárquica Harley Quinn  (Margot Robbie), que ahora tiene otra oportunidad en este spin off dirigido por Cathy Yan (Dead Pigs), quien deja que la manía de su heroína la guíe a través de una historia que es cruda, extraña y, en última instancia, divertida.

Quinn ha roto con su novio, el Guasón, y ahora se enfrenta a un bullicioso mundo subterráneo de Gotham, sin protección. Ella debe luchar para sobrevivir a sus enemigos, particularmente al capo Roman Sionis (Ewan McGregor), también conocido como Black Mask, y su mano derecha (Chris Messina). Hace un trato con Roman que debería mantenerla con vida, pero la enfrenta con la policía desilusionada Renee Montoya (Rosie Pérez) y la idealista Danah Lance / Black Canary (Jurnee Smollett-Bell), una cantante del club de Roman. Todos buscan a una joven huérfana (Ella Jay Basco como el personaje que, en los cómics, se convierte en Batgirl) y la misteriosa Cazadora (Mary Elizabeth Winstead).

Blumhouse cumplió con su entrega de este año, e hizo bien al respaldarse con la experiencia de Eisabeth Moss, quien trastoca con su interpretación. La actriz interpreta aquí a Cecilia Kass, una mujer que decide abandonar a su violenta y controladora pareja, un científico rico y brillante. A pesar de su escape, ella aún no está libre: su ex se suicida y le hereda una fortuna; pero esa generosidad provoca que Cecilia sospeche que su muerte no es real.

El director y guionista Leigh Whannell no se permite soltarte en ningún momento; tanto por los paralelismos que implica la historia en sí misma, como por el manejo del suspenso. Sin duda, un salto considerable en la carrera como director de Whannell, quien antes nos entregó una desangelada Insidious: Capítulo 3 (2015) y Upgrade (2018).

En resumen: el tipo que dirigió Thor: Ragnarok, el neozelandés Taika Waititi, ha hecho una película sobre un adorable joven hitleriano que tiene como amigo imaginario a Adolf Hitler (Waititi). Es una buena noticia: ya ha llegado el momento de repensar este cineasta de arriba a abajo.

Jojo Rabbit tiene la perspectiva de un niño ingenuo y solitario de 10 años, Jojo (Roman Griffin Davis), el "mejor y más leal pequeño nazi que he visto nunca", como dice el Hitler de Waititi con voz de dibujos animados. Para reír con la película, tendréis que abrazar este montaje intencionalmente inmaduro, que nos muestra un Jojo frenético que corre por la calle a ritmo de la versión alemana de "I want to hold your hand" de los Beatles. En caso contrario, los anacronismos serán duros de tragar.

El filme es una comedia romántica que sigue a Laura (una encantadora Rashida Jones), quien parece tener la vida perfecta: un exitoso marido que la ama (Marlon Wayans), dos cariñosas hijas y estabilidad económica. La falta de dinero nunca le quita el sueño. Ella trata de terminar su novela, la cual tiene años escribiendo, probocandole frustración y desencadenando paranoia sobre la fidelidad de su esposo.

La única persona que la puede ayudar es Felix (Murray), su multimillonario papá, que es famoso en Nueva York por tener una nueva novia cada semana. Ambos deciden convertirse en detectives para crear una cercanía que nunca tuvieron. El filme es una radiografía sobre la paternidad y lo complicado que es ser una mujer adulta con inseguridades.

Esta película del cineasta iraní Babak Jalali tuvo su premiere en México durante el Festival Internacional de Cine de Guanajuato de 2018, pero llegó a salas en enero de este año.

Entre secuencias cargadas de naturalismo —y filmadas en Tecate, Baja California— conocemos a la familia Yellow Eagle. Ellos son nativos que viven en las reservas indígenas de Estados Unidos y se confrontan con la noticia de que uno de sus integrantes falleció en combate durante la guerra en Afganistán. Su travesía se convierte en una radiografía sobre la marginación, las dolencias crónicas que ésta provoca y la supervivencia. 

Lleva tres películas y en el transcurso de estas cintas indies, el guionista y director Trey Edward Shults ya ha arruinado el Día de Acción de Gracias en el insoportable psicodrama Krisha (2015) y ha echado a perder al mundo con una plaga en la majestuosa Viene de noche (2017).

Ahora, con Las olas destruye a una familia trabajadora de Florida antes de una absolución casi cósmica. Todos sus filmes se sienten como exorcismos personales (Shults puede describirse como un director de terror no sobrenatural), pero su nueva película es un verdadero avance. Nunca se relaja después de su angustiosa primera hora; cuanto más transcurre, más humana se siente.

Un abogado en prácticas se dedica a ayudar a condenados a muerte en este emotivo drama basado en el trabajo del jurista Bryan Stevenson. Muy en forma, Michael B Jordan ('Creed', 'Black Panther') hace de este joven graduado de Harvard que ofrece sus servicios legales gratuitos a hombres como Walter McMillian (Jamie Foxx), sentenciado a muerte por el asesinato de una mujer blanca en Alabama en 1986. Cuanto más avanza la investigación, más absurda parece la 'prueba', pero tendrá que enfrentarse a la oposición de policías racistas y fiscales.

Se trata de una historia inspiradora explicada de una forma tradicional, con palabras claras para asegurarse de que el público reciba el mensaje alto y claro. La mano firme del director Cretton ('Las vidas de Grace') recibe la ayuda de un elenco fuerte que mantiene el tono justo de sentimentalidad.

Las injusticias frustrantes y una prolongada escena de ejecución hacen que no sea un film fácil de ver, pero en última instancia es conmovedor y defiende apasionadamente la justicia, la comunidad y la amabilidad, aspectos bastante oportunos.

Vestida de chándal, con el pelo peroxidado y un repertorio de movimientos brutales, la bailarina Ema (Mariana di Girolamo) estalla en la pantalla como una bengala en el fantástico, atrevido y profundamente humano drama de Pablo Larraín. En Valparaíso, Ema y su pareja, el coreógrafo Gastón (Gael García Bernal), han adoptado a Polo, un niño colombiano de 6 años. Pero la relación no está preparada para las responsabilidades del matrimonio, y mucho menos para la paternidad. Cuando Polo, en una rabieta, hace que la hermana de la Ema se queme gravemente, deciden devolverlo.

Sorkinismo es un término utilizado para referirse a una escena que está cargada de diálogos rápidos y enérgicos, en la que los personajes —que generalmente son periodistas, genios tecnológicos o políticos— expresan de manera ingeniosa sus ideologías y pasiones mientras están en la creación de algo que probablemente cambiará la vida de quien lo está escuchando.

Esto nace en honor al guionista ganador del Oscar y Emmy, Aaron Srokin, quien gracias a proyectos como The West Wing o The Social Network ha creado su propio estilo que ahora muchos estudiantes de guionismo analizan en clase. Actualmente, Aaron tiene una nueva meta en su mente: convertirse en un respetado director y espera que El juicio de los 7 de Chicago, su nueva película, sea la que lo acerque a esto y debería, porque viene acompañado de un cast de en sueño y el respaldo de Netflix.

Kemp Powers es el dramaturgo que iluminó a Regina King en esta aventura como directora en la adaptación de One Night in Miami, en la que a través de una reunión ficticia entre cuatro íconos afroamericanos, explora hábilmente la manera en que esta comunidad vive el poder, las conversaciones y los conflictos que se iniciaron durante el Movimiento de Derechos Civiles en los sesenta, en Estados Unidos.

Presentada en el Festival Internacional de Cine de Toronto, la película inicia con una breve introducción de cada una de estas figuras: Cassius Clay (Eli Goree) al momento en que está perdiendo una pelea en Wembley; Sam Cooke (Leslie Odom Jr.), quien está dando un show de R&B en el restaurante Copacabana ante un público inconforme; la estrella de la NFL Jim Brown (Aldis Hodge) visitando a un fanático en Saint Simon, quien lo rechaza por racista; y Malcolm X (Kingsley Ben-Adir) que empieza a romper con el Nacional del Islam para encontrar su propio camino.

La sombra de Salvador Dalí y el surrealismo pesaban sobre la irreverente personalidad de Luis Buñuel, quien se sentía incomprendido y además enfrentaba las consecuencias de mantener su postura artística transgresora ante una sociedad conservadora. Fue entonces que uno de sus mejores amigos le dijo: “Si me saco el gordo de la lotería, te pago tu película”. Y bueno, no fue el premio mayor, pero si “una cantidad considerable”, según las propias palabras del propio director español —vertidas en el libro Mi último suspiro—, lo suficiente como para cumplir su promesa, y lo hizo.

Esa pequeña pero significativa anécdota es la que daría como resultado Las Hurdes: tierra sin pan de 1933, documental cuya realización ha sido expuesta a través de una evocadora novela gráfica perpetrada por Fermín Solís, misma que ahora Salvador Simó tomó como base para ofrecer un conmovedor, sugerente y por momentos divertido acercamiento animado, a la transformación que habrían de sufrir los procesos creativos del también responsable de El perro andaluz, que a veces rayaban en el efectismo y lo retorcido.

Sentirás el sabor de la sal del mar en los labios. Las piernas te temblarán de frío. Los efectos que produce este filme de terror psicológico de Robert Eggers, director de La bruja, son muy potentes. Trata de dos hombres que cuidan de un faro en una isla remota de Nueva Inglaterra a finales del siglo XIX.

Las interpretaciones de Robert Pattinson y Willem Dafoe os resultarán perturbadoras. Uno es un viejo lobo de mar, con una pipa en la boca, que cocina langostas y es muy aficionado a la ginebra. El otro es un joven recién llegado de Canadá que parece que esconda un par de esqueletos en el armario.

Luego de sorprendernos con su debut como directora, Greta Gerwig (Lady Bird) reafirmó sus habilidades detrás de la cámara y además lo hizo entregando una de las mejores adaptaciones de libros clásicos. La Mujercitas que vimos en enero de este año (en México) replica la esencia en sí misma de la novela de Louisa May Alcott, y de la propia autora: la película está permeada de un espíritu nostálgico, libre y feminista, que te contagia desde las primeras secuencias.

Esto se transmite no solo tracias a la orquestación que Gerwing hace con su guion y dirección; además lo logra a través del elenco y de la sinergia que crean. Hay tanta hermandad, sororidad y complicidad entre los personajes y las protagonistas, que cada éxito y pérdida tientan al lagrimal.

La casa productora irlandesa Cartoon Saloon ganó fama a nivel mundial cuando sorpresivamente, en 2010, obtuvo una postulación al Oscar a Mejor película animada por The Secret of Kells. A ésta le siguieron Song of the Sea (de 2014) y The Breadwwiner (de 2017), las cuales también obtuvieron nominación en la misma categoría. Este año traen bajo el brazo Wolfwalkers, con la que terminan su trilogía basada en el folklore irlandés (Kells y Sea), y que se estrena el 11 de diciembre en todo el mundo a través de AppleTV+.

Las discusiones sobre si Ciudadano Kane es la mejor película jamás realizada se mantendrán por siempre. Pero la mejor película sobre Ciudadano Kane, y casi cualquier otra cinta, definitivamente ha llegado. El undécimo título de David Fincher es una generosa carta de amor al viejo Hollywood en todo su esplendor: cinismo y extravagancia salvaje. Está diseñada con el tipo de elegancia monocromática que pide asimilarse en la pantalla grande, aunque por el momento, tu televisor funcionará bien.

Céline Sciamma es de las cineastas francesas más emocionantes del momento: tras Water Lilies y Girlhood, relatos realistas y contemporáneos, presenta 'Retrato de una mujer en llamas', una historia de arte y amor ambientada en una isla bretona en el siglo XVIII. El film, de entrada contenido a pesar de la pasión creciente, es un largo 'flashback' protagonizado por Marianna (Noémie Merlan), la profesora de arte contratada para pintar a Héloïse (Adèle Haenel) en un cuadro que debe presentar a su futuro marido. El vínculo entre ambas se plasma en el lienzo y evoca el amor femenino –no siempre erótico–. Destaca la actuación de las protagonistas y el mensaje que hay mundo más allá de la dominación masculina. Las dosis de romanticismo y reflexión lo hacen un film eléctrico.

La historia de Ya no estoy aquí sigue a Ulises Samperio, un joven en Monterrey que se ve obligado a escapar del país luego que tiene un malentendido con los miembros de un cartel local. Mientras para muchos Estados Unidos es un lugar donde lo sueños suceden, para Ulises es un terreno que lo aleja de su pandilla (los Terkos) y de la cumbia, el baile que tanto disfruta. El protagonista se debate entre seguir viviendo en soledad o regresar a México y poner en peligro su vida.

“Quiero dar este mensaje para la gente que tiene ideas y que quiere hacer las cosas con el corazón, no se dejen desanimar cuando escriben 80 correos y no les contestan. Cuando el proyecto es rechazado una y otra vez, hay que seguir confiando”, mencionó el director.