Las 30 mejores películas de 2021

Se le podría perdonar el ser cínico a Rey Richard. Las extraordinarias Venus y Serena Williams, dos de las mejores jugadoras en la historia del tenis femenino, se convierten aquí en personajes secundarios en un drama sobre su padre, Richard. Oh, mira, Hollywood ha encontrado la historia que vale la pena contar. Es mérito del director Reinaldo Marcus Green y Will Smith que esta película defienda su punto focal contraintuitivo.

Stanley Tucci y Colin Firth son Tusker y Sam, una pareja de 20 años que se embarca en unas vacaciones en autocaravana alrededor de viejos lugares en el Lake District de Inglaterra. Tusker es un escritor, Sam un músico, ambos evidentemente de cierta reputación, incluso si Tusker está escribiendo su nueva novela. Hay una razón para eso: le han diagnosticado Alzheimer temprano y está en declive. El libro nunca estará terminado.

No Sudden Move nos lleva al Detroit de 1950, en donde conocemos a Jones (un elegante y emblemático Brendan Fraser) quien contrata a Curt Goynes (Don Cheadle), criminal de poca monta para que cuida a la familia del ejecutivo automotriz, Matt Wetz (David Harbor); mientras que Ronald Russo (Benicio del Toro) y Charley (Kieran Culkin) buscan un papel de carácter privado de la empresa de Matt. Lo que parecía una tarea sencilla, se complica cuando Charley tiene que ir con Matt a su oficina y sacar el documento de una caja fuerte.

Esta es una alegoría moderna con resonancia universal contada en un estilo cinematográfico que en no es para todos, la fascinante Memoria de Apichatpong Weerasethakul se  mueve con incrementos sutiles. Los disparos persisten, pero se demoran. Una cámara fija se posa en momentos de total quietud, incluso en medio del bullicio de la vida urbana. Si el sabio Michael Bay solía jactarse de “Coger con el encuadre” con su estilo de edición hiperadrenalizado, el autor tailandés trata más de arrullarlo para que se duerma y después ver qué sucede cuando sueña.

“Un gran poder conlleva una gran responsabilidad” esta es la famosa frase que el tío Ben le da a Peter Parker,  ayudando a definir a este personaje en las historietas y en las películas de Sam Raimi (2002-2007) y Marc Webb (2012-2014), pero curiosamente no había significado nada en el universo planteado por el realizador Jon Watts (2017-2019) hasta ahora, con el estreno de la tercera entrega protagonizada por Tom Holland, Spider-Man: No Way Home, la cual se convirtió en la cinta más esperada de la saga, gracias a los rumores que giran a su alrededor.

La vengadora que aquí te contaremos está muy lejos de encajar en aquél grupo de superhéroes que conoces. Aquí no hay CGI ni atmósferas sombrías para enmarcar batallas estridentes; al contrario, la dulzura de los colores pastel y la intensidad de las luces neón son el telón de fondo de los encuentros de la protagonista. Y a pesar de su discreción en presupuesto y tecnología, ella logra confrontar a aquello que ningún vengador de un multiuniverso ha reparado: las violencias que ocurren en una sociedad misógina, las injusticias que hay después de una violación y las consecuencias del famoso pacto patriarcal, ignorado en la realidad incluso por líderes políticos.

Lo asombroso de esta cinta es que los protagonistas se enfrentan a un demonio que ataca desde dos flancos. El primero es su subconsciente, pues el ente –llamado Enmu–  trata de llegar al alma de los protagonistas para romperlos por completo, hipnotizándolos con sueños hermosos, pero que poco a poco podrían quedar atrapados en las más horribles pesadillas. Y por otro lado, uno más corpóreo: Enmu se fusiona con el tren, por lo cual resulta inútil cortar la cabeza a su cuerpo, pues su punto débil está localizado en alguna parte del convoy. Tanjiro, Rengoku y los demás tratan de vencerlo usando toda su fuerza, aunque cada paso y ataque que hacen, solo les demuestra que los enemigos que vienen en el futuro serán más fuertes y malévolos.

Aparte de los futbolistas icónicos, esta película viene con una advertencia seria para los fanáticos del fútbol inglés: La mano de Dios tiene como telón de fondo las aguas azules del Golfo de Nápoles y un tapiz de la vida familiar extendida que es un placer presenciar. Hay un almuerzo conjunto al aire libre, repleto de sandías, regaños cariñosos (y no tan cariñosos) y vistas gloriosas, que podría haber visto en tiempo real. La recompensa de la escena, que implica la revelación del nuevo novio de una tía, es una de las risas culpables del año. 

Al mostrar agujas clavadas en el cuero cabelludo, puñaladas sangrientas y un golpe particularmente brutal con un atizador de chimenea (todo logrado con efectos prácticos), Possessor no es para gente aprensiva. Claramente inspirado por el trabajo de su padre (David Cronenberg), el guionista y director Brandon Cronenberg (Antiviral) ha creado una película que transita en una vena igualmente incómoda de horror corporal. La violencia visceral y el plasma salpicado proporcionan el desordenado escaparate de una narrativa que explora la experiencia de perder el sentido de uno mismo.

Esta secuela nos presenta a viejos conocidos y nuevos personajes, que están encerrados en una prisión de alta seguridad, Belle Reve, donde secretamente se lleva a cabo el proyecto Task Force X. Éste reúne a los peores criminales para realizar las misiones más peligrosas con la promesa de reducir su condena. El plan es el siguiente: los integrantes serán soltados en la remota isla Corto Maltese, donde deberán cruzar una peligrosa jungla hasta llegar a la ciudad para detener un peligroso experimento. Este escuadrón será liderado por el Coronel Rick Flag (Joel Kinnaman) en persona, mientras que, vía remota, Amanda Waller (Viola Davis) los sigue para rastrear cada uno de sus movimientos: si dan un paso en falso, están muertos.

Cuando conocemos a esta joven familia coreano-estadounidense de Minari, definitivamente no está prosperando. Papá Jacob (Steven Yeun) tiene grandes sueños de convertir unas remotas tierras de cultivo de Arkansas en un lucrativo negocio de verduras coreano, y su esposa Monica (Yeri Han) lo sigue en una camioneta cargada con sus pertenencias y sus principales reservas. Para sus dos hijos nacidos en Estados Unidos, el pequeño David (Alan S Kim) y Anne (Noel Cho), un poco mayor, la idea de mudarse a una casa rodante y vivir en aislamiento es tan emocionante como una lata vacía.

Si bien no es el mismo género que Relic: herencia maldita, el horror australiano de 2020 que tradujo hábilmente los estragos de la demencia en una película de una casa embrujada, El padre tiene un efecto similar: te dejará inquieto y desorientado, buscando a tientas tratando de averiguar qué es real y qué no lo es. La demencia, como la retrata el formidable Anthony Hopkins, es un estado de autoiluminación permanente: un mundo acogedor y familiar que se vuelve hostil. Es difícil imaginar una ilustración más poderosa de lo que es sufrir la enfermedad. El director Florian Zeller, quien coescribió el guion con el guionista de Atonement, Christopher Hampton, levanta delicadamente los huesos de su propia obra de teatro y los trasplanta a la pantalla con verdadera habilidad.

Es difícil meter en una sola categoría a este filme, que maravillosamente se desplaza de un género a otro como la corriente del río; de ser una western con tintes fantásticos, se convierte en una sensual obra de horror. La magia de Selva trágica es que sabe mezclar ubicación (frontera México y Belice) con un hecho real algo desconocido (recolectores de resina para goma marcar) y misticismo (la leyenda maya de Xtabay), para entregarnos uno de los relatos fílmicos más seductores de la temporada. Hace mucho que no me sentía inmerso en una locación como me ocurrió con esta selva, que es demasiado atractiva por su hermosura visual y que termina siendo asfixiante, provocando sensación de claustrofobia constante.

Krasinski comienza su secuela llevándonos de regreso al primer día de la invasión, para concretar los orígenes de los monstruos y darse un poco de tiempo en pantalla. Luego nos encontramos con Evelyn (Emily Blunt), su hija Reagan (Millicent Simmonds), su hijo Marcus (Noah Jupe) y su bebé, justo después de los eventos ocurridos en la primera película. Las circunstancias los han obligado a dejar la granja que fungió como su refugio. En medio del desolado paisaje y la presentación de otro sobreviviente (Cillian Murphy), la pequeña familia termina por separarse.

La Llorona presenta al general Enrique Monteverde, uno de los responsables del genocidio de varias comunidades mayas en el que se perdieron las vidas de 150 mil personas en la década de los ochenta (este asesinato masivo fue real) siendo en su mayoría mujeres y niños por lo que se lleva a cabo un juicio en su contra al que siempre va acompañado de su esposa, hija y nieta. El dictador Monteverde sigue teniendo gran poder político por lo que logra quedar absuelto de todo cargo despertando la rabia de la población indígena de Guatemala y de la llorona, un espíritu que no descansará hasta cobrar venganza.

Madison Lake (Annabelle Wallis) es una mujer que ha sufrido para quedar embarazada y cuando por fin lo logra, se encierra en una habitación para que  los maltratos de su abusivo esposo no atenten contra su salud. Esa misma noche, una criatura misteriosa entra a su casa, asesina a su marido y la deja terriblemente lastimada, haciéndola perder a su hijo. Al pasar de los días descubre que este encuentro hizo que esté conectada de cierta manera con el asesino, siendo testigo de la cruel manera en la que mata a sus siguientes víctimas. Ahora Madison, junto con su hermana Sidney (Maddie Hasson), se acercan a la policía para intentar detener a la criatura y tratar de entender su conexión con la figura monstruosa.

Sorkinismo es un término utilizado para referirse a una escena que está cargada de diálogos rápidos y enérgicos, en la que los personajes —que generalmente son periodistas, genios tecnológicos o políticos— expresan de manera ingeniosa sus ideologías y pasiones mientras están en la creación de algo que probablemente cambiará la vida de quien lo está escuchando. Esto nace en honor al guionista ganador del Oscar y Emmy, Aaron Srokin, quien gracias a proyectos como The West Wing o The Social Network ha creado su propio estilo que ahora muchos estudiantes de guionismo analizan en clase. Actualmente, Aaron tiene una nueva meta en su mente: convertirse en un respetado director y espera que El juicio de los 7 de Chicago, su nueva película, sea la que lo acerque a esto y debería, porque viene acompañado de un cast de en sueño y el respaldo de Netflix.

La película número 25 de James Bond arranca justo en donde termina Spectre y vemos al espía recién retirado de MI6 junto con Madeleine Swann (Léa Seydoux) intentando tener un periodo romántico. Las cosas no salen como lo esperaba, el pasado de Swann parece que los ha seguido y Bond vuelve a sentir que no puede confiar en nadie rechazando la idea de un final feliz. Pasan los años y Bond decide regresar al campo porque su amigo Felix (Jeffrey Wright) lo necesita para encontrar a un científico que creó un virus letal —el guion lo escribieron en 2018—, pero no es la única persona que lo busca ya que Nomi (Lashana Lynch), la agente que tomó el lugar del 007, —hasta el mismo número— está en el mismo caso. El villano llamado Safin (Rami Malek) tiene acorralado a Bond y la única ayuda que puede obtener proviene de Swann, ya que ella tiene una conexión con el criminal, pero el protagonista aún no confía en ella.

Casi puedes saborear la suciedad en la boca y oler el humo en el viento, cuando te pierdes en esta poderosa y silenciosa historia ambientada en la frontera del siglo XIX, del director y coguionista Kelly Reichardt (trabaja con Jon Raymond para adaptar su propia novela The Half-Life). Es una historia pictórica, sobria e irregularmente ingeniosa de supervivencia y compañía ambientada en la década de 1820, en el territorio de Oregón, el estado de Estados Unidos donde el cineasta independiente ha hecho varias películas terrenales, incluidas Wendy y Lucy y Old Joy. La película es una ventana seductora a un mundo distante, uno que a veces evoca tal claustrofobia que se siente más como una mirilla.

El cine es un arte visual, pero también sonoro. Darius Marder editor de películas como El lugar donde todo termina y Loot, debuta como director con esta historia de un músico que lucha por aferrarse a su instrumento más importante; su oído. Sound of Metal se centra en un baterista de heavy metal interpretado por un fantástico Riz Ahmed (a quien seguro reconocen por películas como Rogue One o Venom), que comienza a perder la audición y, en consecuencia, empieza a replantear su lugar en el mundo y su relación con todo lo que lo rodea.

Con unos kilos de más y con un fuerte acento de Illinois hasta la última sílaba, Daniel Kaluuya (¡Huye!) se compromete de lleno a interpretar al líder de las Panteras Negras de Chicago de los sesenta, Fred Hampton, en esta apasionante investigación encubierta de suspenso y política de la vida real. Es una actuación imponente: todo el poder en espiral, la habilidad de la oratoria y la autenticidad meticulosamente investigada. Hampton es el “mesías negro” al que hace referencia el título. Al menos, lo es ante los ojos del director del FBI, J Edgar Hoover (Martin Sheen, en algún lugar debajo de tanta prótesis). Hoover es un reaccionario y racista que teme el surgimiento de un tizón de fuego para galvanizar a la comunidad negra en los Estados Unidos de los sesenta. Ya sea Malcolm X o Martin Luther King Jr (ninguno de los cuales aparece en esta historia), él quiere desacreditarlos, arrestarlos o algo peor. Hampton es un socialista tan radical que sus compañeros lo llaman “presidente Fred”. 

Estamos casi seguros que muchos padres y madres, que están cargando con la educación desde casa, ahora aprecian más los esfuerzos heróicos de nuestros maestros. También es posible que hayan revalorado la copita de vino —o dos, o más de lo habitual— a mitad de la semana mientras realizaban dicha tarea. Pero, ¿y si los profesores se apoyaran de esas libaciones mientras están en la escuela? Esa es la premisa provocativamente cómica de la última película del escritor y director danés Thomas Vinterberg, Otra ronda.

La realizadora Tatiana Huezo entra a la ficción cinematográfica después de una carrera dedicada al cine documental, género en el que brilló a niveles impresionantes gracias a la galardonada película Tempestad. La directora presenta Noche de Fuego, filme producido por Nicolás Celís, quien después de Heli (2013), Roma (2018) y Pájaros de Verano(2018) tiene a la industria internacional rendida a sus pies, por lo que no sorprende que esta producción este solo unas semanas en cartelera ya que a finales de este mes se podrá disfrutar en la plataforma Netflix a nivel mundial.

Si, como yo, tiendes a pensar que Amor sin barreras son solo un montón de chicos trepando vallas, interrumpidos por una extraña canción, su nueva impresionante, musculosa y tremendamente moldeada, regresa al musical original de Broadway en sus elegantes ajustes estructurales, asintiendo respetuosamente a la película de 1961 al reformular a Rita Moreno, mientras sobrealimenta una historia antigua con nueva urgencia. ¿Cómo superas a una película que ganó diez premios Oscar? Así es cómo. 

Este thriller psicológico de Edgar Wright se traga lentamente a la nueva estudiante de moda interpretada por Thomasin McKenzie, Eloise. No hay refugio para ella cuando todo se pone intenso. Sus compañeros son una pesadilla. Su madre falleció hace años y su amable tía (Rita Tushingham) volvió a su ciudad. Cuando se muda al último piso de una vieja y chirriante casa de Bloomsbury dirigida por una casera malhumorada (Diana Rigg), a esas tribulaciones diurnas se suman algunas nocturnas cada vez más aterradoras. Golpeando la almohada por la noche, de repente se pone en la piel de una aspirante a cantante de cabaret, Sandy (Anya Taylor-Joy). Es 1965: Thunderball se está reproduciendo en los cines del West End y Cilla Black está deslumbrando a las multitudes de los clubes nocturnos. London se está moviendo y el agente de Matt Smith pronto la conectará con un concierto. El mundo es su barra de ostras.

Cuando la empresa minera estadounidense USG cerró su planta de yeso en Empire, Nevada. en 2011, la ciudad murió. Todos se fueron. Borrado total. Incluso su código postal desapareció. La muerte de Empire es el nacimiento de la road movie hermosamente filmada, conmovedora y profundamente emocional de la escritora y directora Chloé Zhao; es la película del año, hasta ahora. Nomadland transforma esa historia de catástrofe económica en una de curación y reconexión que es cruda, pero con honestidad emocional y cuenta con una conexión casi espiritual con el paisaje. Puede dejarte con ganas de dejar todo y correr al parque nacional más cercano (o en su defecto, a un parque).

Después de un brillante debut con Güeros (2014) y un regreso emocionante con Museo (2018), el director mexicano Alonso Ruizpalacios vuelve con Una película de policías, una rapsodia visual en el que mezcla el documental, el falso documental, la ficción y el cine experimental a través de la historia de Teresa y Montoya, una pareja de policías. Alonso Ruizpalacios muestra el otro lado de la moneda, los rostros detrás de las patrullas y cascos de la policía. A manera de conocer más sobre todo el trabajo detrás de esta cinta que se presentará en el Festival Internacional de Cine de Morelia y llegará a Netflix el 5 de noviembre, buscamos al director para que nos contará más de esta mágina obra.

Estas pesadillas subterráneas que acechan bajo la superficie del vasto planeta desértico de Arakkis son solo un elemento de este gran y pensativo éxito de taquilla que supera seriamente las expectativas. Una ciencia ficción épica llena de premoniciones, el director de Dune Denis Villeneuve (Blade Runner 2049) debe haber tenido alguna experiencia cuando se propuso llevar la serie de libros temáticamente densa de Frank Herbert a la pantalla ante la enorme enormidad de meterlo todo en una película.

Infamemente, la primera proyección del drama sobre una joven canibal de Julia Ducournau, Raw, hizo que varios miembros de la audiencia buscaran atención médica después. Mi consejo para los cinéfilos sería reservar una estancia en un hospital mientras se proyecta su nueva cinta. El primer acto de Titane es una guerra relámpago de salvajismo que debería tener a los cines pensando en condimentar sus palomitas de maíz con sales aromáticas. A los goreheads les encantará, pero los aprensivos deberían aguantar, porque lo que sigue es una visión deslumbrante, horrorosa, tierna, a menudo brillante, en ocasiones desconcertante y siempre salvajemente singular de vidas y cuerpos en transición.

Los hermanos Ron y Russell Mael formaron Sparks en 1971 banda estadounidense que transita entre el rock, el pop y la música electrónica con elementos visuales, como el cine, que se han vuelto indispensables en su trabajo. En 2009 presentaron su ópera rock The Seduction of Igmar Bergman, obra que los llevó a colaborar con Sveriges Radio. A 12 años de esto, Sparks presentan Annette, su primera película musical protagonizada por Adam Driver, Marion Corillard y Simon Helberg dirigida por la leyenda francesa, Léos Carax.