Andy Warhol para principiantes

Warhol: dos sílabas que conjuntan imágenes de libertinaje y rock and roll, el rompimiento del arte pop sobre lo mainstream y cualquier objeto rociado de plata. El problema fue que su provocativo arte volvió a los críticos adictos a él y el buen Andy se convirtió en tal omnipotencia que algunos rumores que involucran a las latas de sopa y Marilyn Diptych (1962) ya no serían suficiente. Con esta guía al desnudo conocerás la complejidad de Andy Warhol (6 de agosto de 1928-22 de febrero de 1987). 

Niñez (y objetos freudianos)

Foto: Cortesía Time Out Beijing / Izq-der: Warhol de pequeño; Warhol con su mamá; dibujo de Andy Warhol.

Nacido en 1928 de padres inmigrantes del imperio Austro-Húngaro, Warhol pasó su niñez en Pittsburgh con su familia católica bizantina. Su famosa hipocondría se atribuye a que contrajo la enfermedad corea de Sydenham, también conocida como el baile de San Vito, en tercer grado. Frecuentemente empotrado en cama, Warhol dibujaba de manera compulsiva, formó un fuerte vínculo con su madre— quien persistió durante la adultez hasta su muerte (incluso llegó a usar su letra para muchas de sus primeras ilustraciones comerciales), y acaparó una plétora de fotografías coleccionables de estrellas de película colgadas alrededor de su cama.

No sólo estamos dando pistas sobre la importancia del desarrollo artístico de Andy desde chiquillo; él mismo expresó que estas obsesiones infantiles fueron increíblemente formativas en términos de su futura persona y desempeño.

1950

Foto:Cortesía Time Out Beijing / Sketch para publicidad de moda.

Después de estudiar Arte comercial en el Carnegie Institute of Technology y graduarse en 1949, nuestro protagonista se mudó a la Gran Manzana para empezar una carrera en ilustración de publicidad en revistas. Los días muertos de 1940 también vieron a Warhol tirar su nombre, soltando la ‘a’ de Warhola para evidenciar lo menos posible de Europa del este (y supuestamente, comercialmente más viable).

Gracias a sus únicos métodos ilustrativos e ingenio, el enigmático Warhol se convirtió prontamente en uno de los artistas comerciales más reconocidos de Nueva York. Sus sketches y dibujos vivían y eran producidos en una deliberada imperfección, al estilo de salpicaduras de tinta, haciéndolos ideales para publicidad, portadas de álbumes y propaganda de moda. Warhol después escribió (en su libro POPism de 1980) sobre su proximidad a los errores, que “cuando haces algo exactamente mal, siempre resurge algo”.

1960 

Foto: Cortesía Time Out Beijing / Warhol en su estudio; una de las aclamadas latas de sopa.

Ahora, aquí llega el Andy que todos conocemos y amamos: el del look ligeramente siniestro, bromista y escénico, ¡ícono del medio siglo! Mientras se retiraba de la esfera de la ilustración hacia las artes plásticas, Warhol produjo piezas como loco, dibujando su fascinación por los símbolos americanos, comercialismo y consumismo. Para 1962, sostuvo importantes galerías de exhibición tanto en las costas del este y oeste, como uno de los defensores zeitgeist de la marca pop art, y no cualquiera estaba involucrado.

A pesar de que el trabajo expuesto incluía Marilyn Diptych, 32 latas de sopa Campbell’s, Green Coca-Cola Bottles y 200 One Dollar Bills (posiblemente encontradas en alguna pared cerca de tu universidad), críticos con cara de pocos amigos y pretenciosos se escandalizaron por la obsesión con el mercado cultural de Warhol y su rechazo a los principios artísticos tradicionales, como metáfora, significados escondidos y haber producido una pila de latas de sopa idénticas y considerársele innovador.

Naturalmente, el inexpresivo e irónico Warhol jugó con esto, convirtiéndose en una sensación mediática en el proceso. Respondió a las quejas que dictaban su arte como superficial y simplista, y a cambio los apoyó, considerando todas sus intenciones sobre el arte siendo visible en la superficie. Utilizando asistentes para confundir más allá de la definición de lo que es arte y el artista, pasó mucho tiempo en los sesenta produciendo trabajo y explorando el concepto del ícono americano, en toda su igualitaria, violenta e inspiradora gloria: celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Elizabeth Taylor, explosiones de bombas atómicas, sillas eléctricas y parafernalia hogareña.

Foto: Cortesía Time Out Beijing / Eight Elvises, 1963

Una de las técnicas primarias usadas por Warhol, fueron pinturas con pantalla de seda: una técnica de impresión donde la tinta se fuerza a través de una pantalla para hacer una imagen, usando plantillas para bloquear las áreas que no se llenan. Debido a la facilidad de réplica en la naturaleza de estas imágenes producidas, Warhol pudo no solamente crear piezas similares o idénticas, sino que también hacía desenfoques entre líneas, pasando por artes plásticas y populistas. Producción de imágenes comerciales, pues.

Otro momento crucial en la carrera de Warhol fue el Stable en Nueva York, en 1964, una instalación basada en el concepto de pequeños supermercados y conformado por alrededor de 400 esculturas de artículos domésticos de marca, incluyendo cátsup Heinz, cornflakes Kellogg's y las ahora icónicas barras de jabón Brillo.

En la colaboración de Warhol con el ingeniero Billy Klüver en 1966, el etéreo Silver Clouds, se usaron globos platinados flotantes hechos con películas plásticas de sellador metálico, explorando las posibilidades de nuevos materiales, mientras se reconstruye la división entre audiencia y arte para volverlos participantes. Las nubes, llenas de helio, rebotaban y flotaban alrededor de la galería con corriente de aire y puede verse en el M Wood show. 

Foto: Cortesía Time Out Beijing / Silver clouds, 1966

La Fábrica

Foto: Cortesía Time Out Beijing / Warhol y acompañantes

Engalanado en papel aluminio delgado y pintura metálica (plata, obviamente), el prominente estudio de Warhol se estableció en los sesenta y se convirtió no solamente en un espacio de producción, sino que— como el mismo irónico nombre refiere— fue un punto de reunión para la camarilla de amigos bohemios y paseantes, como The Velvet Undergound, Nico, los pioneros transgénero Candy Darling y Holly Woodlawn y Edie Sedgwick. Estando high en anfetaminas, estas “superestrellas” según Warhol aparecieron en muchos trabajos del artista y vinieron para definir mucho de lo que hoy consideramos la contracultura de Nueva York. Los Screen Tastes, que se pueden ver en M Woods, son una colección de crudos e inmóviles portarretratos sobre intactas y silenciosas tomas de La Fábrica. Warhol también hizo una serie de películas experimentales y  conscientemente oscuras, las cuales fueron frecuentemente explícitas en cuanto a sexualidad natural— una de ellas, Kiss, sobre parejas (ambos hetero y homosexuales) sorbiéndose entre sí en tres minutos y medio por pieza.

En 1968, la extremista Valerie Solanas (único miembro de su radical “grupo” feminista, la Society for Cutting Up Men o S.C.U.M.) disparó y por poco mató a Warhol en su propio estudio. Después de este suceso (el cual involucró una cavidad en el pecho de Warhol y un masaje al corazón para revivirlo), Solanas se declaró esquizofrénica y la escena en La Fábrica, que presuntamente tuvo  sus cabizbajos, se alejó poco a poco del periodo hedonista del trabajo de Warhol.

1970

Warhol, enfurecido y desilusionado— y con mucha razón—con el auge final de los sesenta, y con él fallecido artísticamente y después resucitado, entrando en un periodo de trabajo empresarial durante los setenta, haciendo comisiones de retrato de algunas de las más prominentes figuras de la década (frecuentemente en múltiples colores). También le gustaba casarse con su teoría de negocio, alegando que buen arte significaba hacer montones de dinero (retuércete, Charles Saatchi), y efectivamente hizo más montones de dinero, así que quiénes somos nosotros para culparlo de ser un sold out.

1980

Quizá no sea de extrañar, considerando el mantra financiero de la década, que Warhol usó su emergente amistad con el talento del neo-expresionismo y movimientos transvarguardistas para propulsar su trabajo hacia el mercado del arte. A pesar de que algunas críticas elogiaron su habilidad para reflejar la superficialidad de la cultura americana obsesionada con el mercantil-consumismo, otros acusaron las series de portarretratos de no tener conciencia con el significado de sus objetos, marcándolos como poco profundos y abiertamente cínicos.

Sin embargo, sus portarretratos Fright Wig en provocadores colores se revelaron como íconos en un deliberado estilo grotesco. Portando una peluca de cabello tipo Halloween y manifestándose ante la cámara, las poco favorecedoras impresiones de Warhol perduran; quizá fue su habilidad para auto-mercantilizarse (cuidado con la teoría pretenciosa), un artista que había hecho renombre parcialmente mediante el proceso de consumo, y les ha proporcionado un peso escénico. ¡Nunca lo sabremos!

Foto: Cortesía Time Out Beijing / Self-portrait, 1986

Warhol murió tras la breve recuperación de una operación de vesícula en febrero 22 de 1987, y fue sepultado, apropiadamente, portando una de sus registradas pelucas y lentes oscuros a lado de una botella de Estée Lauder Beautiful. ¡Viva Andy!